Coralità e fedeltà al testo shakespeariano del Macbeth, otto attori, due atti e rispetto della struttura drammatica, quella “matrice” precisa e sincronica caratterizzante le genialità del Bardo.  La scena allestita ad ambientare una sala di palazzo (un maniero di cui si vede lo scheletro), dall’architettura austera e postmoderna, grigiori diffusi per tonalità. Porte, botole segrete sulle pareti e in mezzo al palco, determinano entrate e uscite di scena, simboleggiano il misterico. Fisionomia scenografica che non può non fare pensare alla “macchina teatrale” di Ronconi. Didascalie testuali, in sovraesposizione, a localizzare accaduti e dialoghi, confermano l’imprinting. Così come l’attorialità di repertorio, minuziosa, la restituzione della centralità all’attore, la prova destrutturata dalla drammatizzazione esteriore e oggettiva a favore della   vocalità, l’estetica della parola, il dinamismo  degli elementi primari.
Sipari  calano e si levano ripetutamente, nelle scene, rigorosamente  consequenziali, a indicare livelli, attivare o rendere passivi personaggi. Macbeth è la tragedia dell’inconfutabile  destino dell’uomo. Del crimine,  della bramosia violenta di sangue e  potere. Rappresentata senza troppo  edulcorato stile, da renderla netta, pura.
Tuttavia il dislivello attoriale  crea luci e ombre: quadri riusciti e  accattivanti si alternano a scene di  scarso smalto. Se non altro per il  fiaccarsi di alcuni attori quando sul  palco non è presente Branciaroli/Macbeth, mattatore e dominus, tecnicamente lodevole, capace di sfumare in continuazione per circostanza  di parte senza perdere spessore. Imponente l’impatto visivo e meccanico.  Meno, il resoconto emotivo.